El Romanticismo
Trasfondo Historico
El Romanticismo
se originó en Alemania a finales del siglo XVIII y fue un movimiento cultural y
político. El inicio de este siglo fue de movimiento literario y luego paso a
impactar todas las artes. Uno de los factores que se identifican en este
periodo es que va en contra del racionalismo de la Ilustración y el clasicismo.
Esta época la dividen en tres etapas:
Prerromanticismo (finales del siglo XVIII)
Se caracteriza por las ideas de los románticos alemanes.
La visión era mayormente tradicionalista y conservadora.
Aquí floreció el liberalismo introducido pos la
influencia del romanticismo
francés y pos el regreso de los liberales
exiliados que impusieron una orientación de corte progresista
-
Posromanticismo
En este periodo se caracteriza la influencia
alemana que reivindicó la poesía como forma popular y de expresión intimista.
Los musicos o compositores mas importantes
Franz Schubert (1810-1949)
Músico austriaco,
murió antes de cumplir los 32 años, sin embargo, tuvo una carrera como compositor
muy prolífico. Compuso más de 600 obras vocales seculares, siete sinfonías
completas, música sacra, ópera, música incidental y una gran cantidad de música
de cámara y piano. Mientras vivió, su música fue apreciada apenas por un grupo
pequeño de admiradores en Viena. El verdadero interés por su trabajo inició
tras su muerte, al ser promovido y alabado por otros compositores de la época
como Mendelssohn, Schumann y Liszt.
Ocupa el primer lugar
en importancia en la historia del Lied alemán, género popular nacido de la
conjunción de poesía y música destinado originalmente al ámbito doméstico. A pesar de una vida llena de altibajos
físicos y emocionales Schubert tenía claro para qué había nacido: para
componer.
Obras más relevantes:
La Sonata para arpeggione- Es un lied compuesta para un instrumento,
para esa entonces conocido como la guitarra del amor. Para esto el compositor
tenía solo dieciocho años. El rey de los
elfos, quien según la mitología nórdica anunciaba la muerte a quien se le
aparecía. Está inspirado en una vieja leyenda escandinava convertida en poema
por Goethe.
La muerte y la doncella- es el cuarteto más popular e interpretado de
los quince cuartetos de cuerda de Schubert. La obra debe su nombre al segundo
de sus cuatro movimientos, un tema con variaciones en torno a un poema del
periodista y poeta alemán Matthias Claudius. Su argumento es sencillo: los
sentimientos y reacciones de una joven moribunda. Mientras la componía,
Schubert pasaba un periodo muy complicado de su vida, débil y enfermo de
sífilis.
El movimiento del trio Opus 100- Es considerada una maravillosa
balada romántica y, como tal, trágica y sombría. Puede considerarse uno de los
mejores tríos del repertorio tradicional y obra monumental entre las piezas
románticas para piano.
La Serenata D. 957- una de sus obras más populares. Puede ser
que mientras las componía Schubert presintiese que el final de su vida se
encontraba cerca. Sin embargo, no hay rastro de aflicción ni tormento, sino un
hondo y sincero sentimiento deseoso de encontrar la paz eterna.
Louis-Hector Berlioz (1803-1869)
Compositor francés,
mejor conocido por su Symphonie fantastique y su Grande messe des morts
(Requiem). Sus contribuciones a la conformación de la orquesta moderna fueron
significativas, gracias a su Treatise on Instrumentation. Llegó a utilizar
hasta 1,000 músicos en varios conciertos que dirigió.
Obras mas relevantes:
Sinfonía fantástica - (1830)
“Romeo y Julieta” - llamada sinfonía
dramática, (1839)
“Haroldo en Italia” - obertura, (1834)
“Carnaval romano” - obertura, (1844)
Felix Mendelssohn
(1809-1847)
Compositor, pianista, organista y
director de orquesta alemán, perteneciente al romanticismo temprano. Nieto del
filósofo Moses Mendelssohn, nació dentro de una prominente familia judía. Gozó
de gran éxito en Alemania, donde revivió el interés por la música de Johann
Sebastian Bach. Escribió
sinfonías, conciertos y oratorios diversos. Muchos expertos del piano discuten
para conceptualizar y catalogar las "Canción sin Palabras" de Felix
Mendelssohn, sobre todo en un entorno entre programación, porque el compositor
no incluyo apuntes ni ideas con sus composiciones. Él realmente creía que la
música hablaba por sí misma. Por esto, multitud de artistas dejan de ejecutar
algunas notas en las partituras, cuando lo consideran necesario para transmitir
las cualidades emocionales inherentes de las obras. Después de oír numerosas
"Canciones sin Palabras" yo diría que es muy evidente dejar que la
música hable por ti.
Obras
más relevantes:
Cuarteto
de cuerdas N º 6
El sueño de una noche de verano
Cancion sin Palabras Op.109.
Fryderyk Franciszek Chopin (1810-1849)
Nacido en
Polonia, este virtuoso pianista y compositor escribió básicamente obras para
piano, aunque entre sus obras también se incluyen algunas piezas de cámara. Su
estilo al teclado es altamente individual y en muchas piezas, muy demandante
técnicamente. Fue una de las primeras “superestrellas” de la música romántica.
Obras
más relevantes:
Nocturno
N°2
Ballade N°1
Nocturno N°20
Vals Del Minuto
Polonesa N°6 (Heroica)
Concierto Para Piano N°1
Robert Schumann (1810-1856)
Compositor alemán e influyente crítico musical.
Abandonó sus estudios en leyes para perseguir una carrera como pianista. Tras
una lesión en la mano, enfocó sus esfuerzos en la composición. Sus
composiciones se centraron en el piano, principalmente. Sufrió de un desorden
mental que le causó seria depresión, lo que terminó por postrarlo en un
hospital psiquiátrico.
Obras
más relevantes:
Genoveva- Es una ópera en cuatro actos con música en el
género del Romanticismo alemán con un libreto de Robert Reinick y el
compositor. Es la única ópera compuesta por Schumann.
Sinfonía Nº 1, en si bemol mayor, "Primavera", op. 38- fue la primera sinfonía compuesta por Robert
Schumann. Schumann bosquejó la sinfonía en cuatro días, del 23 al 26
de enero y completó la orquestación un mes después, el 20 de febrero. El título
"Primavera" fue otorgado, según el diario de Clara, por los poemas de
primavera de Adolph Boettger. Sin embargo, el propio Schumann expresó que la
sinfonía está meramente inspirada por su Liebesfrühling (primavera
de amor). El último movimiento de la sinfonía también utiliza el final
del motivo de Kreisleriana, y por ello se destaca la
romántica y fantástica inspiración de esta composición de piano.
La
sinfonía tiene cuatro movimientos. Están marcados como:
- Andante
un poco maestoso – Allegro molto vivace
- Larghetto
- Scherzo:
Molto vivace – Trio I: Molto piu vivace – Trio II
- Allegro
animato e grazioso
La
orquestación es para 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagots, 4 trompas, 2 trompetas, 3 trombones, timbal, triángulo y cuerdas.
Richard Wagner
(1813-1883)
Este compositor alemán, director teatral y
director de orquesta es más conocido por sus óperas. Como muchos compositores
del género, Wagner componía tanto el libreto como la música de sus obras. Su
ópera El Anillo de los Nibelungos consistió de cuatro partes. Su música ha sido
utilizada frecuentemente en películas, como es el caso de las cintas Apocalypse
Now (Coppola), Excalibur (Boorman) y Melancolía (von Trier).
Obras
más relevantes:
El holandés errante
Tannhäuser
Tristán e Isolda
El oro del Rhin
El holandés errante
Tannhäuser
Tristán e Isolda
El oro del Rhin
Giuseppe Verdi
(1813-1901)
Compositor de ópera italiano. Participó en
movimientos de unificación italianos. Su visión política estuvo presente en
muchas de sus obras, como es el caso de su ópera Nabucco. Alcanzó la cúspide de
su éxito con la ópera Aida y, sin embargo, continuó sorprendiendo con obras
maestras como Requiem, Otello y Faltaff. Sus obras mantienen una gran
popularidad, sobre todo las de su periodo “medio”, como Rigoletto, Il Trovatore
y La traviata.Se destacan también “Rigoletto, Requiem, Falstaff, Nabucco, Otello, Cuarteto
para cuerdas en Mi Menor, Don Carlo y La Forza del destino
La producción no operística de Verdi es limitada, de hecho a Verdi se le recuerda más que todo por sus óperas, sus innovaciones en el escenario en la forma de estructurar las voces y la orquesta dándole completa relevancia a la voz y los instrumentos como un apoyo para estas, etc.. Pero de igual manera agregue su cuarteto para cuerdas en Mi Menor y su Misa de Requiem. Todas las demás obras son operas.
La producción no operística de Verdi es limitada, de hecho a Verdi se le recuerda más que todo por sus óperas, sus innovaciones en el escenario en la forma de estructurar las voces y la orquesta dándole completa relevancia a la voz y los instrumentos como un apoyo para estas, etc.. Pero de igual manera agregue su cuarteto para cuerdas en Mi Menor y su Misa de Requiem. Todas las demás obras son operas.
Obras
más relevantes:
Rigoletto-
Lo
describen como un ser deforme y ridículo, pero lleno de amor. Es un personaje
atormentado con sentimiento protector de padre. En la ópera, no se perdonara ni
olvidara sus burlas hacia Monterone y Ceprano que terminan en la maldición que
le perseguirá hasta en final. Aquí se encuentran el poder, el destino y el
amor. Estos tres últimos son los temas del universo verdiano.
La Traviata- Se considera una obra maestra
donde el amor radical y profundo es el verdadero trasfondo de cada nota y cada
palabra. Uan característica de esta es que verdi coloca un espejo en el
escenario para que se refleje toda la paleta con el fin de resaltar los errores
de un asociedad de hipocresía machista y de clase, la promiscuidad y la
prostitución que aun al dia de hoy sigue sin resolverse.
Il
Trovatore- esta ópera desnuda los sentimientos más extremos del hombre, nos mueve
continuamente entre contrastes opuestos, amor y odio, violencia y calma,
venganza y ternura etc.
Pintores o escritores mas importantes
Dos decapitados- Gracias a un amigo médico, el artista pudo hacer estas pinturas
escalofriantes utilizando partes del cuerpo reales. Decía que así se podía
aprecias los colores de un cuerpo descompuesto y que se viera en sus pinturas
lo más real posible. Quería salir de lo común pintando cosas impopulares.
La
matanza de Quíos 1824- Tiene influencia por la
pintura y la escultura de Miguel Ángel, por el modelo humano de sus desnudos y
en las posturas retorcidas que adoptan. Su obra es una de las que mejor encaja
en el movimiento romántico ya que realiza cuadros de temas históricos,
literarios, orientales (Marroquíes) y religiosos. También realizó retratos
románticos. El género del paisaje, en cambio, no le atrae, siendo incluso sólo
esbozados en sus cuadros narrativos de gran formato.
Pinturas destacadas:
La carreta de heno
Este
cuadro paisajista, de apariencia inofensiva, en realidad causa un verdadero
escándalo en su época. Es decididamente revolucionario. La historia de la
pintura se encuentra ante uno de sus cambios más significativos: el artista
deja de buscar la belleza para empezar a buscar la verdad.En cada detalle de
esta escena podemos observar cómo Constable pinta lo que ve sin afectación, sin
soberbia, sin pretensiones. Él quiere plasmar lo que ven sus propios ojos, no
lo que veían los maestros del pasado a través de las recetas académicas o las
técnicas y recursos preestablecidos.
Parque wivenhoe- Una
agradable sensación de facilidad y armonía impregna este paisaje de una
claridad casi fotográfica. Las grandes áreas de sol brillante y sombra fresca,
la línea de la valla, y el hermoso equilibrio de árboles, praderas y ríos son
evidencia de la síntesis creativa del artista del sitio real. La precisión de
la pincelada de Constable, que se ve en los animales, pájaros y personas, le da
importancia a estos pequeños detalles.
Pinturas destacadas:
El temerario remolcado a dique seco- Es una
de las obras más importantes de Turner. Nos habla con este viejo barco a punto
de retirarse sobre el paso del tiempo y sobre que toda época de gloria llega a
su fin, dejando paso a las nuevas generaciones. En el cuadro vemos al barco remolcado
hacia un dique para ser desguazado. Es arrastrado hacia su muerte, y además lo
hace un barco de vapor, menos bonito, pero más funcional, acorde a los tiempos
industriales que se estaban viviendo en la época.Al fondo el sol en su ocaso
amplifica esa atmósfera crepuscular. Turner usa para ello sus característicos
amarillos, rojos y azules, en sus diferentes e infinitas variaciones.
Pinturas destacadas:
El caminante sobre el mar de nubes no trata sobre un tipo que sube a una montaña en una mañana libre de domingo. Algunos lo han identificado con el propio Friedrich o un amigo de el. Pero puede representar al ser humano en si. El hecho de estar de espaldas es porque no tiene un rostro, sino el rostro de todos. Hasta la ropa que viste es el típico atuendo alemán de la época, para nada cómodo a la hora de subir una escarpada montaña. El artista quiere que asumamos su rol, de ahí que lo sitúe en el centro de la obra. Parece casi como que somos nosotros quienes nos asomamos al acantilado.
Eventos históricos y culturales
Características generales de la música; armonía, textura, melodía, ritmo.
Théodore
Géricault (1791-1824)
Géricault fue totalmente neoclásica
en el taller de Pierre Narcisse Guérin y acabo pintando con unos planteamientos
románticos e incluso podríamos decir que fuese un antecesor del realismo. Es un
pintor muy vinculado a la saga napoleónica de ahí que muchas de sus obras
muestren esta afinidad, como en el Oficial a caballo. Sin embargo,
su obra más importante es la Balsa de Medusa, el cuadro insignia
del movimiento romántico francés. La historia que se esconde tras esta pintura
hizo que fuese censurada por el gobierno de Francia y que no se conociese en la
prensa, cuando finalmente este logro exponerlo en público causó un tremendo
escándalo social. En su preferencia hacia el realismo, realizó una serie de
retratos de personas dementes de un psiquiátrico, entre ellos destacamos el Retrato
de un loco, donde se pone de manifiesto el interés por los trastornos
psíquicos y la neurosis de los artistas románticos.
Pinturas
destacadas:
Balsa de Medusa- Representa el momento del rescate de una fragata francesa, La Méduse,
que había encallado frente a las costas de Mauritania en julio de 1816. La
selección del tema fue muy inteligente por parte del pintor. Seleccionó un
acontecimiento relevante que pudiera generar interés en el público para atraer
visitantes y le ayudara a lanzar su carrera como pintor.
Oficial en caballo- La intención del pintor es reflejar fuerza y movimiento, al tiempo que
se ocupa de su tema favorito: el caballo. La composición muestra una tremenda
diagonal formada por el caballo encabritado, con anatomía imperfecta pareciendo
la cabeza y el cuello más pequeños. A su movimiento se opone en sentido
contrario el cuerpo del oficial, que se vuelve hacia su espalda de modo que
Géricault puede retratarlo. Pero todos estos rasgos no hacen sino acentuar la
impresión de fuerza desbocada del bruto, inmune al dominio del oficial. El
ambiente es típicamente romántico, en pleno campo de batalla, entre los restos
de un cañón reventado, llamas al fondo y la silueta de más jinetes en sus
caballos aterrorizados entre las nubes de humo de reflejos sanguinolentos.
Dos decapitados- Gracias a un amigo médico, el artista pudo hacer estas pinturas
escalofriantes utilizando partes del cuerpo reales. Decía que así se podía
aprecias los colores de un cuerpo descompuesto y que se viera en sus pinturas
lo más real posible. Quería salir de lo común pintando cosas impopulares.
Eugène Delacroix (1798-1863)
Delacroix fue otro de los artistas
románticos con más fama de la época. En sus obras se puede ver alguna
que otra reminiscencia del clasicismo, pues conoció a Géricault en el estudio
de Guerin, y ambos influyeron mucho en sus pinturas. Se especializó en pintar
cuadros de grandes formatos y en estudiar a los grandes maestros del Barroco en
el Museo del Louvre, atrayéndole mucho las pinturas de Rubens, Rembrandt y los
pintores venecianos.
Durante un tiempo Delacroix viajó hasta Marruecos, donde va a captar la
luz, la sensualidad y el colorismo (es un apasionado del color) de la pintura
norteafricana, siendo esta una de sus temáticas visible en obras como las Mujeres
de Argel. Otra de las temáticas a tratar es que va a ser un pintor muy
comprometido políticamente y esto va a quedar captado en obras, siendo la Libertad
guiando al pueblo su obra más romántica y tal vez la más influyente,
ya que en ella va a poner de manifiesto su ideología. Se trata de una alegoría
a la libertad, representada a través de una figura femenina. Esta pintura es
todo un símbolo de las revoluciones burguesas del siglo XIX.
Pinturas
destacadas:
Mujeres de argel
Mujeres de argel
La muerte de Sardanápalo (1827)- Se destaca la emoción, la fuerza o la audacia que ponía en sus obras. Todas
sus obras están tocadas de un intenso dramatismo. Sus personajes se muestran
agitados y en pleno movimiento. A menudo, como esta vez, están viviendo una
tragedia. De sus obras emana mucha sensualidad, rayando con el erotismo. El
color es vivo. Gusta de los rojos intensos que tras su visita a Marruecos aún
cobrarán más importancia en su obra. El artista se implica en los hechos
históricos que le toca vivir.
La
matanza de Quíos 1824- Tiene influencia por la
pintura y la escultura de Miguel Ángel, por el modelo humano de sus desnudos y
en las posturas retorcidas que adoptan. Su obra es una de las que mejor encaja
en el movimiento romántico ya que realiza cuadros de temas históricos,
literarios, orientales (Marroquíes) y religiosos. También realizó retratos
románticos. El género del paisaje, en cambio, no le atrae, siendo incluso sólo
esbozados en sus cuadros narrativos de gran formato.
John Constable
Este
pintor creía importante el contacto directo con la naturaleza, pues estos
paisajes el los plasmaba en sus pinturas. Tanto los efectos del color, la luz y
la atmosfera son característicos de sus más grandes obras. Fue uno de los
verdaderos precedentes del impresionismo, tanto así, que se le considera el
gran artista paisajístico del impresionismo. Sus cuadros son muy poéticos y en
ellos suele estar presente la campiña inglesa, siendo su obra principal la Catedral
de Salisbury, para la cual realizó numerosos estudios sobre las formaciones
de las nubes y de las condiciones climatológicas y lumínicas.
Pinturas destacadas:
La carreta de heno
Este
cuadro paisajista, de apariencia inofensiva, en realidad causa un verdadero
escándalo en su época. Es decididamente revolucionario. La historia de la
pintura se encuentra ante uno de sus cambios más significativos: el artista
deja de buscar la belleza para empezar a buscar la verdad.En cada detalle de
esta escena podemos observar cómo Constable pinta lo que ve sin afectación, sin
soberbia, sin pretensiones. Él quiere plasmar lo que ven sus propios ojos, no
lo que veían los maestros del pasado a través de las recetas académicas o las
técnicas y recursos preestablecidos.
El Maizal- Por
este sendero campestre camina un rebaño de ovejas. A la parte izquierda de la
composición hay un pastorcillo que bebe en un estanque, junto a un asno; por
ello Constable se refería esta pintura como «The Drinking Boy» (El chico
bebiendo). El dibujo de los árboles que están a los lados del lienzo se abre y
deja entrever a los campesinos trabajando en un campo de cereal que da título
al cuadro.
Parque wivenhoe- Una
agradable sensación de facilidad y armonía impregna este paisaje de una
claridad casi fotográfica. Las grandes áreas de sol brillante y sombra fresca,
la línea de la valla, y el hermoso equilibrio de árboles, praderas y ríos son
evidencia de la síntesis creativa del artista del sitio real. La precisión de
la pincelada de Constable, que se ve en los animales, pájaros y personas, le da
importancia a estos pequeños detalles.
William Turner
Buscó la sublimidad de la
naturaleza, pintando desastrosas tormentas nevadas o plasmando los elementos de
la tierra, el aire, el fuego y el agua de una manera nebulosa, prácticamente
borrosa, abstracta podríamos decir. La manera en el que este era capaz de
disolver los objetos y elementos en la luz y las veladuras de color tuvieron
también una gran relevancia en el posterior desarrollo de la pintura
impresionista.
Entre sus obras más
importantes destacamos Lluvia, Vapor y Velocidad, donde el
verdadero protagonista dentro de la composición es la luz filtrada a través del
agua procedente de la lluvia, está junto a la velocidad y el vapor consiguen
formar una mezcla perfecta, mostrando sus tan afamados efectos atmosféricos con
los que incluso logra difuminar los contornos hasta de la misma locomotora.
Pinturas destacadas:
Paisaje con río y bahía al fondo- Parece
que no vemos nada, pero Turner capta a la perfección la atmósfera, las luces y
los colores de este paisaje. Pinceladas rápidas y empastadas, que convierten a
este pintor romántico no solo en el precursor del impresionismo, sino también
de la abstracción y el informalismo. Los elementos desatados del clima muestra
la atrocidad en mitad de la tempestad con apenas unos grilletes y unas manos
que luchan por no hundirse, y un mar salvaje del que intenta alejarse el
tristemente célebre barco de esclavos. Arriba, podemos ver la luz de Turner,
una luz en la que se parecen mezclar todos los colores, adelantándose a
corrientes artísticas muy posteriores.
Caspar
David Friedrich
Se
le considera el máximo exponente del romanticismo alemán coetáneo a Constable.
Pintor paisajístico, pero en sus lienzos tienen un carácter religioso, místico.
Entre sus obras más importantes destacamos el Caminante sobre un mar de
nubes y el Monje frente al mar donde vemos al hombre
cumpliendo el inapreciable papel de un mero espectador frente a la grandiosidad
y magnitud de la naturaleza.
Pinturas destacadas:
El caminante sobre el mar de nubes no trata sobre un tipo que sube a una montaña en una mañana libre de domingo. Algunos lo han identificado con el propio Friedrich o un amigo de el. Pero puede representar al ser humano en si. El hecho de estar de espaldas es porque no tiene un rostro, sino el rostro de todos. Hasta la ropa que viste es el típico atuendo alemán de la época, para nada cómodo a la hora de subir una escarpada montaña. El artista quiere que asumamos su rol, de ahí que lo sitúe en el centro de la obra. Parece casi como que somos nosotros quienes nos asomamos al acantilado.
Obra que representa el romanticismo europeo, en
concreto el alemán, y del pre simbolismo. Creen que nos conduce a reflexiones
entre el hombre de carne y nervios que lo creó, con el arte, con el ser humano
como especie, con nosotros. En este cuadro nos muestra la pequeñez del ser humano
frente a la Naturaleza, frente al destino, frente al ser-estar. Algunos
autores, indican, si el hombre pierde su valor de
trascendencia-metafísica-religiosidad, o si deja de creer en que tiene
alma-espíritu, el ser humano se siente perdido en sí mismo y en la
naturaleza-sociedad-cultura-tiempo-espacio que le rodea y en lo que es. Al
parecer es la situación en la que muchos seres humanos se encuentran ahora, y
durante estas últimas generaciones.
Eventos históricos y culturales
MARCO HISTÓRICO
El Romanticismo abarca la primera mitad del siglo XIX, que es una etapa de
fuertes tensiones políticas. Los conservadores defienden sus privilegios pero
los liberales y progresistas luchan por suprimirlos. Se abre paso el laicismo y
la masonería goza de gran influencia. El pensamiento católico tradicional se
defiende frente a las nuevas ideas de los librepensadores y seguidores del
filósofo alemán Karl Christian Friedrich Krause. La clase obrera desencadena
movimientos de protesta de signo anarquista y socialista, con huelgas y
atentados. Mientras en Europa se desarrolla fuertemente la industria y se
enriquece culturalmente, España ofrece la imagen de un país poco adelantado y
que cada vez está más alejado de Europa.
MARCO CULTURAL
A principios del siglo XIX, aún predominaba el arte neoclásico o Ilustrado
que llevaba desde el siglo XVIII. Además, también tiene lugar el
Prerromanticismo, donde ya se le daba importancia a los sentimientos y a la
libertad. El Romanticismo va entrando en España poco a poco. En 1814, Nicolás
Böhl de Faber (cónsul alemán) publica en un periódico una serie de artículos,
por lo que se considera introductor del Romanticismo, pero no fue el único. El
alemán defiende el teatro Barroco (que rompía con las reglas clásicas del
teatro) ante el arte neoclásico (donde se preferían las reglas clásicas).
Por eso es considerado primer romántico,
por defender un cambio, una libertad. Debido a la proximidad geográfica,
Cataluña mantiene contacto con Europa. En Barcelona, un periódico llamado El
Europeo, defiende ideas románticas. El problema se encuentra en la censura, por
ello, las ideas defendidas eran mínimas. En 1833, con la muerte de Fernando
VII, los exiliados volvieron a España y con ellos las ideas románticas.
Características generales de la música; armonía, textura, melodía, ritmo.
En el Romanticismo la música se basa en
los modos medievales, pero éstos se utilizan con más libertad. La sonoridad es
más rica y plena; la música está escrita en un estilo más libre y expresivo. Los
compositores tratan de fusionar las líneas melódicas dentro de la textura
musical, en lugar de producir contrastes entre ellas. Existe una mayor
conciencia de la armonía, del flujo de acordes y de su progresión; las
disonancias se tratan con mayor suavidad. La música puede ser de estilo acórido
(textura homófona) o contrapuntístico (textura polifónica), utilizando la
técnica de imitación para entrelazar la líneas musicales y crear una textura
musical contínua y uniforme.
Características importantes de esta etapa:
- Se va fusionando poco a poco la música religiosa y profana.
- Mayor equilibrio entre las diferentes voces.
- Se fue sustituyendo poco a poco las voces por instrumentos lo que favoreció la danza y el florecimiento de la música instrumental.
- La música llega a los salones cortesanos.
- La música se usa como un medio para el goce y la diversión
- Una mayor dignificación del músico profesional, gracias al mecenazgo de las clases poderosas.
Armonía: Se experimenta el cromatismo. Se emplean armonías extrañas y ricas para
obtener hermosos colores y sonoridades, con mayor uso de la disonancia. La
naturaleza lógica de la armonía tonal es tal, que el oído armónicamente afinado
aceptará finalmente que tenía una relación lógica con la estructura armónica
del todo; más aún, incluso es posible que el oído no advierta siquiera las
disonancias.
Textura: Se combina la textura homofonía y Polifónica. Acentuó la armonía y el color
con preferencia a la línea melódica. Los compositores buscaban la elección de
una armonía exquisita que les impulsó a un sonido orquestal rico. La textura se
volvió gruesa y opaca. La monumental orquesta propiciada por los discípulos de
Wagner (Richard Strauss, Mahler y el joven Schönberg) llega, con las super elaboradas
texturas del período posromántico, hasta un extremo en el que ya no era posible
ningún progreso.
Melodía: Es el principal vehículo para la expresión de los sentimientos y pierde las
características clásicas de simetría y equilibrio. Adquirió curvas más
expresivas, un colorido más amplio y una mayor riqueza de matices dinámico-
expresivo. Es indudable que, a lo largo de aproximadamente tres siglos de vida,
la música de la tradición armónico- tonal es de una riqueza y una diversidad increíbles.
Ritmo: se explotó con mayor flexibilidad, más libre y menos estructurado que en el
clasicismo. Se produce el descubrimiento de nuevos ritmos, algunos procedentes
del folclore. También se utilizaron con eficacia, combinaciones de ritmos
diferentes y de síncopas.
Timbre: Timbres característicos de los instrumentos renacentistas, muchos de los
cuales forman familias compuestas fundamentalmente por diversos ejemplares de
un mismo instrumento pero con tamaños y registros diferentes: violas, flautas
dulces, chirimías, cromornos.
Tipos de composiciones y formas de la música coral e instrumental de la época
Música Vocal
Opera- La ópera italiana desarrolla el “Bel Canto”. Se refiere a las cualidades
que debía poseer un buen cantante: hermosa melodía y emisión limpia de la voz.
Sus máximos exponentes fueron Rossini, Bellini y Donizetti. Se le da el título
de gran genio de la opera a Verdi. Sus melodías son directas y sencillas dando
mucha importancia a los coros y enriquece la orquesta tanto en color como en
textura y armonía.
Zarzuela- En España ha habido una
gran influencia histórica de la música italiana e incluso se hicieron intentos
de crear una ópera española que fracasaron,
especialmente porque no gustaban los recitativos. En el siglo XIX,
Francisco Asenjo Barbieri comienza a hacer zarzuelas con influencia italiana
donde los recitativos se sustituyen por partes habladas. La zarzuela ya se
practicaba en España en el barroco con temática mitológica y alegórica. La
zarzuela romántica española presenta personajes castizos, describe situaciones
cotidianas, historias de amor y temas populares.
Lied- Es una composición para
voz solista con acompañamiento generalmente de piano,
de corte íntimo y estilo refinado, cuyo distintivo principal es la compenetración
de poesía y música.
Literalmente significa “Canción” en
alemán. Es una composición generalmente para voz solista y piano que utiliza
como texto un poema, generalmente de alta calidad literaria. Supone la fusión
entre poesía y música propia del romanticismo.
Existen varias formas de lieder (lieder: plural de lied):
a) Lied estrófico: Son varias estrofas en los que para una misma melodía se
emplean diferentes textos. Normalmente se aplican pequeños cambios en el
acompañamiento, dando la estructura: A, A1, A2, A3...
b) Otra estructura muy común de tres estrofas es A-B-A (lied ternario)
donde la primera estrofa y la última tienen la misma música
c) Una tercera forma es la estructura Rondó: ABACADA, donde A es el
estribillo que repite texto y música.
Autores destacados de lieder fueron: Franz Schubert (escribió más de 600),
Robert Schumann, Johannes Brahms y Gustav Mahler que tiene la peculiaridad de
acompañar la voz con orquesta.
Música Instrumental
El instrumento más importante del
Romanticismo es el piano, capaz de expresar las cualidades más buscadas por los
románticos: brillantez e intimidad. Se producen importantes mejoras técnicas en
los instrumentos de viento: Los de madera introducen el sistema de llaves y los
de metal el sistema de pistones (trompetas) y de válvulas (trompas). Fue Adolph
Sax quien inventa el saxofón. La orquesta en el siglo XIX crece en proporciones
y en variedad de instrumentos con respecto a la del Clasicismo. En la sección
de las maderas se introduce el flautín, el corno inglés, y el contrafagot. Aparece
la tuba en la orquesta, instrumento más grave de viento metal. Aumenta la sección
de la percusión. Entre las formas se encuentran:
Sinfonía- Es una gran sonata para orquesta de cuatro
movimientos. Para esta época romántica se inventa la sinfonía programática que
narra una historia. Un ejemplo es “La Sinfonía fantástica” de Berlioz.
Poema Sinfónico- Tiene solo un movimiento y se inspira en elementos poéticos y descriptivos.
El creador de este género fue Franz Liszt.
Concierto- Es una forma instrumental
para orquesta e instrumento solista (piano, violín). Sus movimientos son: rápido-lento-rápido.
El primer tiempo tiene forma de sonata.
Pequeñas formas para piano- Entre ellas están las baladas, nocturnos, estudios, polonesas.
Música de Cámara- Aquí se agrupan los dúos, cuartetos de cuerdas, quintetos de cuerda con
piano.
- Música eclasiástica: Las formas musicales típicas son la misa, el motete y el himno. Algunas piezas son compuestas para ser interpretadas a cappella, y generalmente son de estilo contrapuntístico con mucho uso de la imitación. También se compone música eclesiástica acompañada por instrumentos, por ejemplo, piezas de estilo policoral que hacen uso de la antífona y de grandes contrastes musicales entre los grupos.
Referencias:
https://prezi.com/.../el-romanticismo-contexto-historico-carasteristicas-y-etapas/ https://www.monografias.com/
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